Boris Tchaikovsky (1925-1961)
Sinfonietta para orquesta de cuerdas
Sonatina (Allegretto)
Waltz (Allegro molto)
Variations (Adagio)
Rondo (Presto)
Boris Tchaikovsky pertenece al grupo de los mejores compositors Rusos de la "Era Soviética" (junto con Miaskovsky, Vainberg, Shebalin, Sviridov, Lokshin), eso es sólo el comienzo que se descubría fuera de Rusia. Mientras estos compositores comparten ciertas características, cada uno de ellos tiene una voz y una personalidad distintiva, y para etiquetar a B. Tchaikovsky, se utilizaría la expresión "compositor clasicista lírico". Prolíferamente trabajando en una amplia gama de géneros - sinfonías, óperas, música de cámara, conciertos instrumentales, música para el cine - B. Tchaikovsky en sus temas y personajes musicales siempre encontrará luz y bondad, y les da siempre un protagonismo predominante. En el mundo musical de Boris Tchaikovsky's el apasionado barrido de su predecesor del mismo apellido se vuelve gentil, una caricia sensible, la intensidad de Shostakovich llevada al pastoral relajante, y el cortante sarcasmo de Prokofiev en un humor encantador. Será evidente para los oyentes de su Sinfonietta, que sus escrituras están llenas de este material melódico maravillosamente memorable.
Alfred Schnittke (1934-1998)
Lamento para cuerdas (1980)
(Cuarteto para cuerdas ¹ 2, arreglos de Misha Rachlevsky)
Moderato
Agitato
Mesto
Moderato
(Interpretado sin pausa)
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Hasta mediados de los ochenta, cuando se alzó la opresión ideológica en Rusia, las obras de Schnittke tuvieron un camino difícil para llegar a los grandes escenarios del país. Al mismo tiempo, su música era escuchada por millones ya que Schnittke era uno de los compositores más cotizados para películas y televisión. En 1980 estaba trabajando en una película con un jóven y brillante director ruso, Larisa Shepitko. Luego llegó la tragedia - Larisa murió en un accidente de tráfico. El segundo cuarteto para cuerdas fue escrito poco después y dedicado a su memoria.
El conocimiento de estas circumstancias deduce su obra de forma convincente, haciéndola una pieza dentro de un programa musical. Los cuatro movimientos de esta composición desvelan una cadena de eventos similar a los pasos emocionales, que usualmente acompañan la partida de un ser amado. El primer movimiento es inestable y cuestionable, de alguna manera irreal, quizás hasta con la esperanza reticente de "tener un mal sueño". El angustiado segundo movimiento dura siete minutos, pero parece eterno. Una resaltada transformación ocurre: el comienzo del movimiento conduce a todos a sentir horror y una desorientación total, pero cuando el mismo contenido vuelve al final del movimiento, raramente, parece ordenado y casi victorioso, como el alivio de alcanzar un destino final en un viaje muy largo. El tercer movimiento hace esta composición quizás la más "Rusa" de las obras instrumentales de Schnittke, ya que invoca la imagen distintiva de un servicio litúrgico ruso, substituyendo coros de una Iglesia Ortodoxa Rusa por cuerdas. Para ese entonces, la tragedia es una realidad, y su insondable pena es expresada apasionadamente. El cuarto movimiento final completa el ciclo transmitiendo un sentido de aceptación e incluso de serenidad.
En 1994, un Festival de Schnittke, conmemorando su 60 cumpleaños, fue realizado en Moscú, y la Orquesta de Cámara Kremlin fue invitada a presentar el concierto. Queriendo incluir una obra nueva en el programa, pedí permiso al compositor para hacer los arreglos de su Segundo Cuarteto de cuerdas para orquesta de cuerdas. La sincera y entusiasta aprobación de esta idea fue la realmente la experiencia más gratificante.
Rodion Shchedrin (b. 1932)
Fotografías Rusas (1994)
Ancient town Aleksin
Cockroaches throughout Moscow
Stalin-cocktail
Evening bells
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La profesión de músico intérprete tiene muchas recompensas. Una de las mayores es la oportunidad de trabajar con compositores, que asistan a los ensayos, que ofrezcan sus comentarios y sugerencias. La colaboración con Shchedrin comenzó con un golpe - un concierto con sus obras en el la Gran Sala del Conservatorio de Moscú. Desde la primera vez que tocamos para él estaba ya muy claro que estabamos en la misma línea para interpretar su música, forjando inmediatamente una relación maravillosa, tanto profesional como personal.
La música de Shchedrin es conocida en Rusia y también a nivel internacional, y hay muchos intérpretes, incluyendo algunos de los más conocidos, para quienes la oportunidad de presentar sus composiciones es siempre bienvenida. Esto no sorprende, ya que es difícil encontrar un mejor vehículo para cautivar al público.
Esta no es sólo música con una melodía maravillosa, un desarrollo maestro y una orquestación muy colorida. Hay también un mensaje, un tema, una historia - es difícil encontrar una sola palabra que la describa. Creo que el mejor modo de describir mi propio punto de vista es decir que la música de Shchedrin siempre dice algo. Y lo que le diferencia de muchos otros es que éste algo está muy definido, una imagen casi tangible. "Fotográfias Rusas" es un ciclo de cuatro movimientos, - ó, alguien podría decir, cuatro historias. El tiempo paralizado en "El Antiguo pueblo de Aleksin" - tocando ó escuchando este movimiento es como pasar lentamente las páginas de un álbum de viejas litorafías. "Cucarachas por Moscú" es un retrato de una ciudad moderna, pero más que un vistazo de ello, examina el nivel sobre la superficie de la ciudad, con vida propia. Cóctel Stalin es un movimiento, que fuerza a ambos, a intérpretes y al público a tomar una postura - lo que suena gracioso para algunos, puede aterrorizar a otros. Luego llega la total unificación de "Campanas del Atardecer".
"Fotográfias Rusas" ubica demandas técnicas y emocionales considerables en los intérpretes, pero que premio más glorioso!
Franz Schubert (1797-1828)
La Muerte y la Doncella , D. 810 (1824)
(String quartet in D minor, arranged by Misha Rachlevsky)
Allegro
Andante con moto
Scherzo: Allegro molto
Presto
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Los aficionados a la música pueden notar que no usamos los arreglos de Mahler de "La Muerte y la Doncella" para orquestas de cuerdas, sinó mis propios arreglos. La razón es simple - el "divisi" (subdivisión en dos ó más partes dentro de un grupo de instrumentos) de la versión de Mahler claramente sugiere grandes formaciones instrumentales, como las que él tenía a su disposición. Aparte de esto, la versión de Mahler difiere muy poco de la versió original, y la mi versión menos todavía. Entonces porqué mencionar a Mahler se podrían preguntar algunos?
Bueno, porque si. Mientras el hecho de interpretar arreglos y, en este caso, cogiendo uno de los verdaderos santuarios de la literatura de los cuartetos y extendiéndolo a una orquesta de cuerdas completa, está siendo aceptado en los escenarios, aún tiene sus detractores, y teniendo protagonistas como Mahler y Bernstein (con la Op. 131 de Beethoven) ciertamente refuerza la postura del clan de los "pro-arreglistas".
Tan increíble como nos parece ahora, este cuarteto, escrito en 1826, dos años antes de la muerte de Schubert, fue rechazado por editores musicales por ser poco interesante. La primera interpretación tuvo lugar en Berlín en 1833, cinco años después de la muerte del compositor; el crítico no fue muy bondadoso con Schubert, criticando su obra como "progresiones harmónicas irregulares".
El tiempo le hizo justicia a la obra, no obstante, y ahora "La Muerte y la Doncella" es una de las más queridas obras del repertorio. Incidentalmente, la pieza fue apodada después de la muerte de Schubert, basado en el título de una de las canciones de Schubert que él re-arregló" (aja!) para el tema del segundo movimiento.
Y para Mahler, aunque terminó los arreglos de la obra completa (y hasta empezó arreglos para algunos de los demás cuartetos de Schubert), él dirigió solo un movimiento - las variaciones - en un solo concierto en Hamburgo el 19 Noviembre de 1894. Desalentado por las críticas que él empobreció el cuarteto de Schubert de su intimidad, no persiguió la interpretación de la obra completa. Esto no lo frenó, sin embargo, de revivir esta práctica cuatro años después, cuando se trasladó de Hamburgo a Viena. Allí completó los arreglos del Cuarteto en fa menor, Op. 95, de Beethoven, y la interpretó en su totalidad.
Felix Mendelssohn (1809-1847)
Octeto para Cuerdas (1825)
Allegro moderato ma con fuoco
Andante
Scherzo. Allegro leggierissimo
Presto
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Hace muchos años escuché un punto de vista interesante sobre el lugar de Mendelssohn en la jerarquía de la historia de los grandes compositores, y mientras esta teoría es de alguna manera extraña, quizás tenta algo de razón.
Algunos músicos amigos y yo estabamos leyendo algunas de las obras de cámara de Mendelssohn, no las más populares, como el Octeto, pero aquellas que raramente se escuchan en un concierto. Estabamos asombrados por la belleza de la música y de la exquisita habilidad para escribir, y la conversación se convirtió en una discusión sobre la herencia musical de Mendelssohn en general. Fue fácil coincidir en que Mendelssohn es comunmente reconocido como un "peso ligero" cuando se le compara con Brahms ó Schumann. Es verdad, los atributos más notorios de su estilo musical son la gracia, la elegancia, y para la mayoría, el humor y los temas que trata son la felicidad y el contenido, más que la lucha feroz de Beethoven, la apasionada búsqueda del alma de Schumann ó el monumentalismo global de Brahms. Pero en su territorio, Mendelssohn tiene pocos rivales.
Entonces, discutiendo este "problema de imagen" en la sesión arriba mencionada, uno de mis colegas ofreció este comentario - "No podemos sólo perdonar a Mendelssohn por no sufrir demasiado, como la mayoría de los demás grandes compositores tuvieron que hacerlo". Efectivamente, cuando ojeamos las biografías de los grandes creadores - no solo compositores, sinó también escritores, artistas - es obvio que más allá de su vida rica y llena de acontecimientos, esperaríamos que tuviesen una mayor dosis de confusión y agitación que el resto de las personas. Interesante, no?
En el caso de Mendelssohn, nació con una cuchara de plata en la boca. Su familia no solo era una de las más prósperas y cultas de Alemania, sinó una de las más disciplinadas (0500h para el despierto diario, 0600h los domingos) y los mejores tutores en todos los aspectos, incluída la música, donde los precozes talentos de Mendelssohn fueron rápidamente descubiertos y sólidamente apoyados.
La mansión de Mendelssohn se convirtió en el lugar para conciertos dos veces al mes, y en 1822 una casa de verano fue acondicionada como una sala de conciertos donde varios centenares de personas fueron invitadas cada domingo a un concierto presentando las obras del repertorio estándar y las nuevas composiciones de Mendelssohn. Para estos conciertos, un Mendelssohn de 13 años seleccionaba los programas, dirigía los ensayos, aparecía como pianista y hasta dirigía algunos programas, subido a una banqueta para que los músicos pudieran verle. Y, por supuesto, componía - en 1825, cuando a los 16 años, creó un verdadero santuario de la literatura de la música de cámara, el Octeto, fue el autor de unas 80 obras, incluyendo trece sinfonías para cuerdas, óperas y operetas, conciertos, motetes y mucha música de cámara.
Entonces, es la historia justa con Mendelssohn? Escúchenle y juzguen por ustedes mismos.
Johannes Brahms (1833-1897)
Sexteto para cuerdas No. 2 en G mayor, Op. 36 (1866)
Arranged by Misha Rachlevsky
Allegro non troppo
Scherzo: Allegro non troppo
Adagio
Poco Allegro
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Hay algunas buenas y "correctas" respuestas que son rutinariamente dadas a la pregunta de porqué se hacen transcripciones - para ampliar el repertorio, para introducir obras a públicos más grandes (ó, a la inversa, para dar lugar a la posibilidad de interpretar la obra de forma más íntima), para sacar a relucir colores adicionales que el arreglista cree están "ocultos" en la composición. Tan ciertas como pueden ser esas respuestas, cuando un músico intérprete hace una transcripción, la razón dominante, creo, es el deseo de interpretar una obra que fue escrita para un instrumento diferente ó para un grupo de instrumentos. Esto es totalmente cierto para mí en la mayoría de los casos, sino en todas las transcripciones que he hecho.
Las obras resultantes difieren en el grado en que se desvían del original, y en el caso del Sexteto de Brahms, esta desviación es una de las más pequeñas, si se compara con otras obras "robadas ó prestadas" que hay en nuestro repertorio.
Aquellos interesados en la evolución del gusto musical público deberían considerar a Brahms un caso interesante para explorar. Durante toda su vida, el reconocimiento de su talento no fue muy universal. Los detractors vieron a un retrógado en él, para quien su devoción por el clacisismo puro fue un paso atrás para la exploración de nuevos horizontes musicales, navegado por demoniaco Wagner. Fue muchas veces acusado de flojedad, y hasta el ilustre George Bernard Shaw escribió artículos insoportablemente denunciantes sobre su música. Su club "anti-fan" incluía a Hugo Wolf, Gustav Mahler, Piotr Tchaikovsky. Hay muchas leyendas de la inauguración de la Sala Sinfónica de Boston en 1900, cuando el letrero "Salida En Caso de Emergencia" fue substituido temporalmente por el letrero "Salida En Caso de Brahms". Hoy en día, sin embargo, Brahms es uno de los más famosos nombres, y el catálogo de sus obras es notablemente representado al completo en conciertos y grabaciones. Y desde luego, muy merecidamente.
Piotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893)
Serenata para Cuerdas, Op. 48
(1880)
Pezzo in forma di sonatina: Andante non troppo - Allegro moderato
Valse: Moderato. Tempo di Valse
Elegie: Larghetto elegiaco
Finale (Tema Russo): Andante - Allegro con spirito
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La música de Tchaikovsky crea una ilusión que llega a este mundo absolutamente sin esfuerzos (como la música de Mozart, el compositor favorito de Tchaikovsky). Es así en muchos momentos, pero desde luego no siempre, y la supremacía de los resultados de sus numerosas revisiones, desde correciones hasta escribirlo de nuevo, convincentemente ilustra a Tchaikovsky diciendo que "la musa no viene si no se le llama". La Serenata para Orquesta de Cuerdas (el título ruso correcto, aunque en occidente es usualmente llamada Serenata para Cuerdas), escrita en relativamente poco tiempo, entre Septiembre y Octubre de 1880 (simultáneamente con la Overture de 1812), fue definitivamente una de aquellos ejemplos felices: "… salió del corazón" escribió Tchaikovsky. Otro momento de suerte fue el inmediato y unánimo éxito de su obra.
La serenata rapidamente alcanzó el nivel más alto de las obras de Tchaikovsky que estaban programadas para los conciertos dirigidos por él mismo, y bajo su batuta fue escuchada en muchos centros musicales europeos así como en su visita a los Estados Unidos en 1891, donde la dirigió en Baltimore y en Filadelfia. Parece que el compositor mismo estaba casi avergonzado por el afecto que sentía hacia su obra: (de su carta a Nadezhda von Meck, su compañero y patrocinador): "El primer movimiento es mi homenaje a Mozart, intenta ser una imitación de su estilo, y yo estaría encantado si pensara que me he acercado a mi modelo. No te rias, querida, en mi entusiasmo por realzar mi última creación. Quizás mis sentimientos paternos son tan cálidos porque es hijo más jóven de mi imaginación".
Mientras la composición completa se escucha en un suspiro, por decirlo de alguna manera, los dos movimientos internos son extraordinarios. El vals es exquisito, y la elegía es una de las más movidas declaraciones de corazón en música. Otra vez, de la carta de Tchaikovsky a Nadezhda von Meck: " A menudo se dice que los buenos actores no interpretan para todo un público. Ellos escogen una persona en el teatro que parece ser un alma compasiva e interpretan la pieza entera con el anhelo de complacer a esa persona". No hay muchas partituras que puedan rivalizar con esta Elegía.
Dos cosas que aprendí recientemente sobre la Serenata, no siendo nada significativas, son entretenidas, y las compartiré con ustedes. En su carta a Jurgenson, su editor, Tchaikovsky reveló al principio concebía su obra como una sinfonía, luego pensó que sus bocetos podrían ser los apropiados para un cuarteto de cuerda, y finalmente decidió ("inspirado", como escribió) que sería una Serenata para una orquesta de cuerdas.
Y de nuevo, de la carta de Tchaikovsky a Nadezhada von Meck, escrita despues que acabó la serenata, pero sin todavía haberla estrenado oficialmente: "Desearía que pudieses escuchar mi Serenata interpretada adecuadamente. Pierde mucho cuando se toca en piano, y pienso que los movimientos del medio tocados por los violines ganarían tu corazón". Al piano? Si, una práctica muy común antes de la invención del fonógrafo, y hasta un poco después. En el verano de 1881 von Meck contrató a un estudiante de 18 años del Conservatorio de París para tocar con ella piezas de piano a cuatro manos así como para dar clases de piano a sus hijos. Él también hizo transcripciones según su petición, los fragmentos de Swan Lake se convirtieron en sus primeras partituras publicadas. El nombre del jóven? Claude Debussy.
Piotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893)
Souvenir de Florencia, Op. 70 (1890-1892)
Allegro con spirito
Adagio cantabile e con moto
Allgretto moderato
Allegro vivace
Es interesante como algunos eventos experimentados en la infancia afectan nuestra percepción en los años venideros. De las pocas cosas que recuerdo de mis años en la escuela primaria, uno sobresale, quizás porque prueba su validez a través del tiempo. Nuestra profesora nos enseñó una reproducción de la Mona Lisa de Leonardo Da Vinci y nos dijo: "Ahora todos se pueden mover por toda la clase, pero deben hacerlo mirándola, y se darán cuenta de que los ojos de Mona Lisa siempre les seguirán allá a donde vayan". Después tuvimos momentos alegres disfrutando esta nunca permitida libertad de movimiento durante una clase y en efecto nos divertimos con la habilidad de Mona Lisa para "observarnos" (líderes del Partido Comunista, mirándonos desde los retratos de las paredes, no podían hacer lo mismo), el orden fue reestablecido en la clase, y la profesora nos pidió que diéramos nuestras propias razones y explicaciones sobre la sonrisa de Mona Lisa. Otro momento divertido ya que nuestras interpretaciones eran muy diferentes. Ella resumió el tema con algo como esto: "Una obra de arte hace que la gente sienta lo mismo, otra obra de arte hace que la gente sienta gran variedad de emociones, pero una cosa es constante: el buen arte siempre hace a la gente sentir".
Si no hubiese sido por esta lección, quizás hoy me complacería a mi mismo en una intervención graciosa hacia algún musicólogo para describir Souvenir de Florencia como, por ejemplo "cubierto con una atmósfera, no siempre asociada con este compositor, de calmada genialidad". Calmada genialidad? Bueno, quizás en efecto para algunos. (Una vieja broma: un hombre de Texas, buscando las cataratas de Niagra: "Nuestro fontanero podría arreglar este agujero en un par de horas"). Para mi, ?esta es una de las más turbulentas y apasionadas obras de toda la literatura musical! Escrita en el invierno de de 1890, muy poco después de que Tchaikovsky volviera de Italia donde estuvo trabajando en su Ópera "La Reina de Espadas", tuvo en efecto, quizás la intención de ser una luz en la oscuridad del drama de las óperas. Sin embargo, no fué asi. Tchaikovsky se había quejado a su hermano, Modest, que se sentía bajo una gran tensión trabajando en ella. Aunque estaba muy satisfecho con los resultados - hasta que escuchó la interpretación. Enormemente insatisfecho, reescribió totalmente dos movimientos - fue entonces cuando le agregó el título de Souvenir de Florencia. Al revés que Capriccio Italiano, compuesta diez años antes y llena de citas italianas, esta obra es definitivamente rusa, solo con el encantador bel-canto en el Segundo movimiento sugiriendo una posible relación con el título. Italia era un lugar donde Tchaikovsky pasó los años más felices de su vida los cuales, quizás, pudieron ser la clave para bautizar la pieza. La primera interpretación de la versión revisada tuvo lugar en 1892, dirigida por el gran violinista y pedagogo ruso Leopold Auer (profesor de Heifetz, Milstein y Zimbalist, junto con otros), y tuvo un gran éxito.
Tchaikovsky percibió un gran reto al escribir esta obra - un sexteto para dos violines, dos violas, y dos violonchelos - lo mismo que para dar prominencia a cada voz. Tuvo un éxito increible. Las interpretaciones de esta obra en la versión de orquesta para cuerdas son muy comunes hoy en día, y, muy extraño parece que la multiplicación de las fuerzas para su interpretación no se complica, pero en cambio ayuda a conseguir el balance justo y a permitir que se oiga cada voz. (En realidad hay una simple, aunque muy técnica, explicación para este fenómeno).
Piotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893)
Cuarteto para Cuerdas No. 3 en E flat menor Op. 30 (1876)
(arreglado por Misha Rachlevsky)
Andante sostenuto - Allegro moderato - Andante sostenuto
Allegretto vivo e scherzando
Andante funebre e doloroso, ma con moto
Allegro non troppo e risoluto
Rápidamente, cuántas obras pueden nombrar que han sido escritas para celebrar el nacimiento de un niño? El Idilio de Siegfried de Wagner,….. um…..hurmph….. Bueno, esto es lo que pude pensar cuando me enfrenté a esta pregunta. Y escrita para aquellos que se ido de este mundo? Una tarea mucho más fácil - hasta en el repertorio de esta gira hay dos composiciones como estas - el Lamento para cuerdas de Schnittke, dedicado a su amigo y colaborador Larisa Shepitko, director de cine, quien murió en un accidente de tráfico, y el Tercer Cuarteto de Tchaikovsky, dedicado al violinista Ferdinand Laub, cuya repentina muerte le causó un gran dolor a Tchaikovsky. En ambos casos el impacto de la pérdida indujo una ola creativa, y los resultados son magníficos en ambos caso, tan diferentes como son en su lenguaje musical y en su contenido filosófico.
En las partituras de algunas otras composiciones de esta gira, cito la oración introductoria de Leo Tolstoy para Anna Karenina: "Las familias felices son muy parecidas; y cada familia infeliz es infeliz a su manera". En efecto, el espectro emocional de la tragedia es mucho más amplio que aquel en la felicidad, y, como tal, provee una gran inspiración y una muy amplia gama de expresión propia, tanto para los compositores como para los intérpretes.
De muchas maneras, el Tercer Cuarteto de Tchaikovsky es muy sinfónico. Su forma, material temático, tamaño, profundidad - todo está empujado al máximo. No es, sin embargo, una de esas obras que "se tocan solas". De entre las composiciones de Tchiakovsky, así como de aquellas de otros grandes melodistas como Mozart ó Schubert, hay obras que parece que tienen una increíble inmunidad para las interpretaciones más mundanas, las cuales todavía se las arreglan para satisfacer a muchos oyentes. No es este el caso. Es maravillosa cuando se interpreta por un cuarteto de cuerdas y prácticamente intolerable y en manos menos capaces (lo mismo ocurre con Grosse Fuge, Op. 133 de Beethoven, por ejemplo). Pero hasta en las mejores interpretaciones del Tercer Cuarteto de Tchaikovsky, siempre ansío fuerzas más grandes, y haciendo estos arreglos para orquesta de cuerdas, puedo, por lo menos parcialmente, satisfacer este sentimiento. Es interesante que el "sinfonismo" de este cuarteto fue percibido poco después de ser escrito, al Glazunov hacer un arreglo de su movimiento lento para orquesta de cuerdas.
Antonin Dvorak (1841-1904)
Serenata para cuerdas en mi menor, Op. 22
(1875)
Moderato
Tempo di Valse
Scherzo: Vivace
Larghetto
Finale: Allegro vivace
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Así como darle buenas noticias a alguien tiene un efecto positivo contagioso al mensajero, interpretar la serenata de Dvorak tiene realmente un efecto terapéutico para los intérpretes. Hay mucha "bondad" en ella. De alguna manera hasta los momentos que podrían proyectar una sombra pesimista - la luz melancólica del Vals, ó la fragilidad del Larghetto inaugural - retiene la maravillosa atmósfera despejada. Usualmente, las composiciones de grandes dimensiones contienen drama, tensión, conflicto - las herramientas que ayudan al intérprete a "tomar la posición", interpretando obras de su propio y único punto de vista. Si comparamos una docena de grandes interpretaciones de la Sexta Sinfonía de Tchaikovsky con otra docena de igualmente grandes interpretaciones de Cascanueces, las diferencias en la interpretación serán mucho más grandes en la primera. ("Las familias felices se parecen; cada familia infeliz es infeliz a su propia manera". Lev Tolstoy, la oración introductoria de Anna Karenina"). El punto más resaltante de la serenata de Dvorak - esta "pura bondad" es totalmente suficiente para sostener una comunicación significativa durante casi media hora de música.
Mientras las circumstancias alrededor de la creación de la obra y el contenido emocional de la composición resultante no siempre van de la mano, en este caso particular si. En el verano de 1874, el recien casado Dvorak estaba esperando su primer hijo. Dvorak trabajaba como organista en una de las iglesias de Praga - un puesto que no le ocasionaba ningún problema para obtener los papeles del gobierno que acreditaban su pobreza. Con estos papeles, y un buen montón de partituras recientes (que incluían dos sinfonías, una overtura, canciones y alguna música de cámara), solicitó una beca del gobierno. Un distinguido jurado, que incluía a Johannes Brahms, no se equivocó al reconocer los "dotes genuinos y originales", y bajo su propia recomendación, el Ministro de Cultura le presentó a Dvorak el salario más alto disponible en ese programa. No hay duda de que el anuncio de esta beca estimuló una explosión de creatividad. Y fue durante esta oleada de felicidad, cuando la Serenata para Cuerdas fue acabada en sólo 11 días.
Josef Suk (1874-1935)
Serenata para cuerdas en me bemoll, Op. 6
(1892)
Andante con moto
Allegro ma non troppo e grazioso
Adagio
Allegro giocoso, ma non troppo presto
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El nombre de Josef Suk es pronunciado con facilidad para ser su música muy poco conocida fuera de la República Checa. Esto ocurre gracias a su nieto, Josef Suk, un destacado violinista checo quien ahora disfruta de una carrera muy activa como solista y músico de cámara. Para complicar las cosas un poco, debemos mencionar que el primer Josef Suk no podemos llamar Josef Suk Sr., porque él a su vez era el hijo de otro Josef Suk, también músico y su primer profesor importante. El más jóven que conozco de la dinastía de Josef Suk, el arriba mencionado violinista, es el biznieto de Antonin Dvorak. Entonces, si aún están leyendo estas líneas, ya se han dado cuenta de que Josef Suk, el compositor de la Serenata para Cuerdas, estaba casado con la hija de Dvorak. Desde este punto, este es el único Josef Suk del que hablaremos, y el hecho de que fuese un brillante violinista y fundador del Cuarteto Czech (anteriormente Wihan), con el cual y durante 41 años (1892-1933) ofreció más de 4.000 interpretaciones, no deberíamos confundirlo con su nieto violinista, a quien no me atrevo a llamar Josef Suk Jr., ya que si tuviera un hijo o un nieto propio también, estoy muy seguro de que la tradición del clan no se romperá.
La serenata fue escrita bajo la recomendación de Dvorak, quien sintió que un compositor de 18 años, en ese momento era estudiante del Conservatorio, debería ampliar el contenido emocional de sus composiciones, las cuales eran muy trágicas y oscuras en aquel momento, y escribir algo más alegre y entusiasta. El resultado fue espléndido. Mientras la influencia de Dvorak es bastante aparente, es una música mucho más original. Aunque el espíritu general de la Serenata es alegre, Suk era incapaz de mantenerse sólo en estados de humor alegres, y en este sentido, la Serenata se diferencia drásticamente de la de Dvorak.
Pensaba cerrar esta nota mencionando la gran promesa, hecha por un jóven compositor, y que no parece materializarse. Por curiosidad abrí el catálogo de sus obras y encontré muchas composiciones para orquesta, música de cámara y piano, las cuales nunca escuché. Entonces, retengo mis comentarios porque este descubrimiento me dio la idea para un final alternativo:
En los años soviéticos, durante los ataques a Solzhenitsyn, había reuniones en las que los "voluntarios" de varios grupos sociales eran obligados a expresar su disgusto, por "las sucias mentiras sobre nuestra maravillosa vida y nuestro devoto gobierno", en libros escritos por él. Una vez hubo alguien que se las ingenió para formular la siguiente pregunta a un entusiasta orador: "Ha leído alguno de los libros de Solzhenitsyn?" La respuesta fue: "No, no tengo interes en esas mentiras repulsivas". Esta es una historia verídica, y la respuesta del orador fue más meditada de lo que parece, porque en aquel tiempo leer uno de los libros de Solzhenitsyn era un crimen severamente castigado por la Ley. Ahora, después de esta historia tan chocante saber quien es quien del clan de los Suk es muy fácil, perdonen el juego de palabras!
Richard Strauss (1864-1949)
Metamorfósis (1945)
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El tiempo, el tiempo de nuevo nos encuentra encarando el hecho de que las obras creadas como producto del dolor y de la confusión están muy lejos de superar el número de aquellas que llegaron a este mundo bajo circumstancias felices. Y, a pesar de las exepciones (y entre ellas hay algunas composiciones gloriosas), mas que la cantidad, la cualidad de la música y la fuerza del mensaje es también superior. Strauss escribió Metamorfósis en 1945, al ver las casas de ópera destruídas en Munich y en Dresden.
No intentaré escribir sobre la música en sí misma, la común cita del compatriota de Strauss, Henrich Heine "cuando las palabras terminan, comienzan la música" suena muy verdadera. Por lo tanto, un par de puntos relacionados.
Muchos, sinó todos los músicos varían la interpretación de las obras de concierto a concierto. A través de los años, la diferencia en la percepción de alguien sobre esas partituras puede cambiar dramáticamente, pero hasta repitiendo la misma composición al día siguiente de hacer una interpretación usualmente presenta algunos cambios. (Durante muchos años no creí que alguien puede tocar identicamente y no sonar duro ó poco sincero. Luego, hice una interpretación con un solista, quien en todos los ensayos y luego en los conciertos durante cuatro noches seguidas tocó exactamente igual - y gloriosamente bella, cautivando a todos en el escenario y en la sala durante cada interpretación). Para mi mismo, algunas obras podrían desviarse sólo un poco, algunas algo más, pero todavía, la línea general para una noche dada es siempre clara antes de dar el primer ritmo. Cuando, hace muchos años, comienzo a dirigir Metamorfosis, me sorprendo al ver qué tan lejos podría desviarme del "plan" tanto durante el ensayo como después en los conciertos. Esto no es inusual en los niveles iniciales cuando se agrega una nueva obra al repertorio, pero como norma una vez que la obra se "asienta", existe un buen grado de predictabilidad de cómo "será el tono esta noche". Seguramente, aún así muchos factores afectarán la interpretación - la acústica de una sala nueva para nosotros es uno de ellos (la presencia del público a veces también cambia la interpretación notoriamente de cuando estamos ensayando en una sala vacía), el modo en que "conectamos" con el público, son algunos de estos factores. Bueno, son muchos años y muchas interpretaciones detrás de mi, y estoy contento al aceptar que las "metamorfosis" ocurrirán durante una interpretación, y cuento con mis plegarias por tener esta maravillosa y flexible orquesta en frente de mi.
Y otro punto. Strauss originalmente escribió Metamorfosis solo para 23 cuerdas. "Ó no lo hizo? Hace algunos años se descubrió una partitura de Metamorfosis para un septeto de cuerdas, y se cree que fue terminada poco antes de la versión que conocemos. In nuestro caso, interpretamos esta obra según una transcripción para Kremlin, la cual es un poco más corta que la de Strauss, pero de todas formas se toca cada nota de la versión original. La transcripción de Vladislav Bezroukov, director de la orquesta, nos permite interpretar esta pieza tanto en Moscú como de gira.
