| NOTES DEL PROGRAMA |
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NOTAS DEL PROGRAMA POR MISHA RACHLEVSKY
(c) 2000, Chamber Orchestra Kremlin
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Escritos en Salzburgo en enero de 1772, los Divertimentos K. 136-138 de Mozart fueron instrumentados para cuarteto de cuerdas, y las investigaciones sugieren que fueron compuestos en preparacion para el segundo viaje de Mozart a Italia. Seguramente tuvieron la intencion de ser usados como un relleno agradable en algunas ocasiones (pensamiento poco asentado, pero sin embargo - verdadero - estos y otros Divertimenti, asi como numerosas Serenatas y Cassationes fueron escritas para ser interpretadas en fiestas y ocasiones similares como puro entretenimiento de fondo - el hilo musical del siglo IIXX si quieres). Investigadores han determinado tambien que el titulo Divertimento en el manuscrito no es del puno y letra de Mozart. Hoy, existen algunos de los trabajos mas populares en el repertorio de las orquestas de cuerdas. Gracias a los familiares numeros "K" que acompanan los titulos de Mozart (Kochel, en la segunda mitad del siglo IXX, realizo el primer catalogo sistematico de los trabajos de Mozart), nos recuerdan que 135 composiciones precedieron K. 136, incluyendo alrededor de doce operas y misas, y unas veinte sinfonias. Mozart cumplia dieciseis anos cuando compuso K. 136-138. El Divertimento en re mayor, K. 136, es una composicion fresca y alegre, y el cambio ocasional a notas menores no provoca una sombra de drama. "Mozart nunca es facil" es un topico pero desde luego muy cierto. Para verbalizar el reto de interpretarlo es un reto en si mismo. En la mayoria de los casos, situo esta pieza al empezar el concierto, es como ofrecer una copa de champagne cuando llegan los invitados. La intermedio Andante es quizas el movimiento mas impredecible de nuestro repertorio - no viene a nuestra mente otra pieza donde la velocidad, la dinamica, y hasta la articulacion podria variar tanto de una interpretacion a otra, todavia conservando el caracter general de dulce ternura. (Ahora que lo pensamos, esta puede ser la razon por la que no hemos grabado este Divertimenti todavia, a pesar de que Claves nos lo ha pedido durante mucho tiempo).
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Verano, epoca de vacaciones. Alquilas una casa de campo y llevas a tu familia alli para "escapar de todo". Tu hijo de 12 anos, aburriendose ya un poco el segundo dia, enciende el ordenador portatil, y antes de darte cuenta, crea un juego para ordenador que reta y entretiene a los participantes, mientras le encanta a los espectadores. Pide una copia de este programa y guarda el disco en un lugar seguro - nunca se sabe. Despues de la Segunda Guerra Mundial, Alfredo Casella encontro en la Libreria del Congreso un manuscrito de hace 150 anos con la siguiente inscripcion: "Las partituras de estas terribles sonatas, compuestas por mi durante las vacaciones, en la casa (cerca de Ravenna) de mi amigo Agostino Triossi cuando era muy pequeno, ni siquiera habiendo tenido una clase de contrapunto, fueron compuestas, copiadas y tocadas durante tres dias por Triossi, Contrabajo, Morini (su primo), primer violin, su hermano pequeno, al violonchelo, y yo mismo como segundo violin, quien era, para decir la verdad, el ultimo mono". Esta facilidad y generosidad con la cual estas sonatas despliegan un material melodico sugiere que Rossini con 12 anos no necesito demasiado esfuerzo para producir estas maravillas. Una sonrisa nunca esta demasiado lejos, y existe una inequivoca presencia de elementos operativos, que proporcionan la clave para que algo florezca y se convierta en trabajo magnifico. Hoy estas sonatas son extremadamente populares tanto en el escenario como en el estudio de grabacion, interpretadas casi siempre en su version para orquesta de cuerdas. La grabacion de un set integral de Seis Sonatas para cuerdas es el disco mas elogidado de la Orquesta de Camara Kremlin hasta la fecha, habiendo ganado ambos el Premio "Repertoire y Diapason D'Or" en Paris y el Premio "Gramophone's Critics Choice" en Londres.
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Las Dos Melodias Elegiacas, Op. 34 de Grieg, sirve como una maravillosa apertura para un programa, especialmente cuando es seguido por un intenso, dramatico trabajo como la Sinfonia de Camara de Shostakovich, Verklaerte Nacht de Schoenberg o el Divertimento de Bartok (por nombrar algunos de los trabajos de nuestro repertorio que nos solicitan mas comunmente). En unos rapidos 7 minutos estas composiciones permiten el establecimiento de un buen lazo entre la audiencia y la orquesta, y "preparar el escenario" para una composicion mas substancial. No quiero decir con esto que las Melodias de Grieg no tienen un fuerte contenido emocional. Lo tienen, pero el contenido es de bienestar y serenidad. Estas piezas son los propios arreglos de Grieg de su Canciones en poemas de A.O. Vinje: "Heart's Wounds" (Op. 33, N 3) y "Last Spring" (Op. 33, N?2) - y ?que maravillosos argumentos a favor de los arreglos! Este es uno de los no tan comunes casos donde los arreglos se vuelven mas populares que el trabajo original. Y, mientras la interpretacion de estos trabajos en su forma original son una rareza real, Schwann nombra mas de 20 grabaciones de esta version para orquesta de cuerdas (incluyendo la nuestra), y se escuchan muy a menudo en los conciertos.
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Hay muchas bromas basadas en caracteristicas nacionales, o mejor dicho en la percepcion de estas caracteristicas. Hubo un ingeniero aleman, un cocinero frances, un banquero suizo y un amante italiano, quienes se cambiaron los sombreros y terminaron siendo el cocinero aleman, el banquero italiano, el ingeniero frances y el amante suizo. Y el gusto. Con la globalizacion de nuestras vidas en los dias que corren, y lo "politicamente correcto" manteniendonos siempre a punto , estas bromas son quizas no tan simpaticas como lo fueron, pero todavia, ciertas combinaciones parecen mas convenientes que otras. Ahora, si un tiene que agregar el adjetivo de "romantico" a una cierta nacion, donde empezaria? Y en que lugar de la lista estaria Gran Bretana? Lord Byron y Lady Di hicieron maravillas para romantizar el ingles, pero aun asi, los atributos emocionales de lo que esta asociado al romanticismo y "Briticismo" probablemente no vayan de la mano. O eso pensaba yo. Para explicar mi impresion sobre los Britanicos, sospecho que en mi juventud habia tantas bromas britanicas y tan poca musica britanica. (Por alguna razon, nunca pense que los Beatles fuesen britanicos. Ellos eran simplemente los Beatles, la banda de pop mas romantica sobre la tierra). Pero, despues escuche la musica de Elgar. Su rica expresividad y el gran alcance de sus emociones puso todo en su sitio. No obstante, los falsos conceptos de mi adolescencia se volvieron practicos anos despues, cuando empeze a trabajar en la Serenata en mi menor de Elger. Desde la primera lectura, el primer movimiento se sintio comodo, el segundo fue totalmente cautivador y mi afecto por el crecio y se volvio mas fuerte con el tiempo. La introduccion del tercer movimiento no funciono. Se sentia atenuado e ilusorio, una desilusion despues de aquel magnifico segundo movimiento. Despues de muchos intentos, me asalto un pensamiento gracioso, podria ser que Sir Edward (aunque en el momento en que escribio la Serenata no habia sido nombrado caballero todavia) se sentia un poco avergonzado por el arrebato emocional del segundo movimiento, como si hubiese dicho al comienzo del tercero "lo siento, no queria desnudar mi alma de esa manera...". Muy lejos de del acercamiento intencionado del autor a esto, funciono muy bien para mi. Y todavia funciona.
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This Sextet is from the last Strauss opera, Capriccio, written by the 77-year-old master. Este Sexteto es de la ultima opera de Strauss, Capriccio, escrito por el maestro de 77 anos de edad. El libretto original fue sugerido a Strauss muchos anos antes, por su cunado Stefan Zweig, y valio la pena esperar para el resultado - Capriccio es uno de los trabajos mas delicados de Strauss, y efectivamente del genero. El argumento es muy poco comun en opera, sin mucha accion, pero lleno, en su lugar, de refinadas elaboraciones de la cuestion eterna: que es lo primero en la opera? - las palabras o la musica? Una bella, noble mujer viuda debe decidir quien le interesa mas - Flamand el musico, u Olivier el poeta. En su cumpleanos, cada hombra le presenta su creacion. Por su razonamiento a favor de la prevalencia de la musica, Flamand le ofrece un argumento lleno de poder - el Sexteto, el cual es interpretado en el escenario al principio de la opera. Para mi, describir esta musica iria mano a mano con la descripcion de las Cataratas del Niagra: estan continuamente cambiando y al mismo tiempo siempre estan iguales, no es solo una belleza cautivadora, pero parece que conllevan un mensaje etereo, y no hay palabras para describir la alegria de experimentarlo por uno mismo. Escucha, y disfruta. Oh si, el gran dilema. La Condesa decide que ambos hombres le interesan por igual.
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Concierto en Re para una orquesta de cuerdas, una pieza brillante y un tipico ejemplo del neo-clasicismo de Stravinsky, fue escrito por encargo de Paul Sacher, un director y filantropo suizo, cuyos encargos resultaron ser grandes partituras de Bartok (Divertimento, Music for Strings, Percussion & Celesta), Strauss (Metamorfosis), Honegger (Sinfonias N? 2 y 4), Britten (Cantata Academica) y otras. Esta es la obra con mayor reto tecnico en nuestro repertorio - no porque cualquier parte o elemento en especial sean tan dificiles, pero porque cualquier, hasta la mas pequena imperfeccion, se hace inmediatamente aparente. Como para el lenguaje musical, alguien puede escuchar la continuacion de las tradiciones de la escuela nacionalista rusa con un sentimiento brillante por el colorido instrumental (Rimsky-Korsakov) y usar el folklore ruso o, como en esta caso, elementos quasi folkloricos - el segundo movimiento nos trae la imagen de un afinador de organos, interrumpido por el "ladrido" de un gendarme. Al mismo tiempo, hay una dosis generosa de la asimetria inequivoca de Stravinsky y elementos poliritmicos - quizas su mayor influencia en el desarrollo de la musica en este siglo. ("De todos los musicos de su epoca Haydn fue el mas consciente, yo pienso, que ser perfectamente simetrico es estar perfectamente muerto" - de "Conversaciones con Igor Stravinsky" por Robert Craft). Las caracteristicas psicologicas de un artista y su obra a menudo se parecen entre ellas, y eso ocurre con Stravinsky. Brillante intelecto, una inventiva sin fronteras, la habilidad de encontrar y resaltar los colores mas vivos, un enorme ingenio, y una buena dosis de un seco y hasta sardonico humor caracteriza a Stravinsky como autor (y no solo en la musica, sino tambien en la palabra escrita) y como persona. El Concierto en Re es un ejemplo convincente de las arriba mencionadas cualidades de Stravinsky como compositor. Y en cuanto a su personalidad, he aqui un ejemplo: Billy Rose encargo una pieza de Stravinsky para una revista musical de Nueva York, para ser estrenada en 1945. En la noche de la inauguracion le envio un telegrama al compositor: "su musica gran exito punto podria tener un exito sensacional si usted autorizara a robert russell bennett para retocar la orquestracion punto bennett hace hasta las temas de cole porter". Stravinsky contesto con cuatro palabras: "satisfecho con el gran exito" (citado del Libro sobre Anecdotas Musicales de Norman Lebrecht).
El destino de Anton Arensky es un regalo para aquellos que defienden un estilo de vida sano. En el ultimo cuarto del siglo IXX, Rusia estaba llena de talentos musicales, hasta en esta constelacion Arensky estaba considerado uno de las estrellas mas prometedoras. Su profesor principal fue Rimsky-Korsakov, quien confio a su estudiante con una preparacion de la partitura vocal para su opera La Doncella de la Nieve. Tenia solo 20 anos cuando su primera opera, Un Sueno en el Volga, fue estrenada en Bolshoi de Moscu, con un gran exito. A los 21, despues de graduarse con honores en el Conservatorio de St. Petersburg, fue inmediatamente comprometido para ensenar armonia y contrapunto en el propio Conservatorio de Moscu, donde entre sus estudiantes se encontraban Rachmaninov y Scriabin. Pero el tuvo una debilidad por el alcohol, que en gran parte fue la razon del deterioro de su salud y su pronta muerte a los 44 anos. Hoy, solo un punado de sus composiciones son interpretadas, pudiendo decirse que Arensky se bebio a si mismo hasta el olvido, verdad? Bueno, no tanto. Del mismo modo en que la parcialidad de Mussorgsky por la substancia energica que disipo su salud y acorto su vida, pero no lo destrono del lugar que como compositor tiene entre los mejores. Las composiciones de Arensky no poseen la misma fuerza u originalidad. Aun, las mejores de ellas, como Variaciones en un Tema de Tchaikovsky, o el Trio de Piano, son escuchadas con relativa frecuencia en conciertos, y no sin una buena razon. Las Variaciones son un tributo conmemorativo al amigo y colega de Arensky, Tchaikovsky, quien murio solo un ano antes de que las Variaciones fueran escritas. In mi opinion, Tchaikovsky es escuchado no solo en el tema mismo, pero en muchas variaciones - una imitacion inocente de estilo y lenguaje, magistralmente hecho.
Apasionada, extremadamente romantica y pecadoramente bella, Verklaerte nacht es el mas interpretado de los trabajos de Schoenberg, y aun asi su reputacion entre las "corrientes dominantes" de las audiencias parece ser de destructor de la tonalidad, padre de la dodecafonia e inventor tecnica serial (o tecnica por capitulos). Aunque ahora deberiamos estar tratando solo con aquel, dare un pequeno rodeo y repetire (no recuerdo la fuente, y esta no es una cita textual, pero el significado es muy parecido) la respuesta que Schoenberg dio a la pregunta: "Por que no compone usted musica tan bella como su Verklaerte Nacht?" - "lo hago, usted solo tiene que aprender a escucharla". Verklaerte Nacht inicio su vida como un sexteto de cuerdas, escrito por un Schoenberg de 25 anos inspirado por un poema de Richard Dehmel con el mismo titulo. En 1917 Schoenberg lo transcribio para orquesta de cuerdas, y la version orquestral revisada aparecio en 1943. Dos personas caminan por el deshojado y frio bosque, la luna les sigue, y ellos tiene la mirada fija. La luna pasea por los altos robles, sin nubes que cubran la luz celestial a traves de la cual, las oscuras cimas se asoman. La voz de una mujer dice: "He dado a luz un hijo, pero no es tuyo. Camino a tu lado en el pecado. Peque gravemente en contra de mi misma. Ya no creo en la buena suerte pero todavia tengo un poderos anhelo por una vida plena, por la felicidad y el deber de una madre; despues me embarga la verguenza, despues un afligido horror, me dejo tomar por un extrano y hasta me bendigo a mi misma por ello. Ahora la vida se ha vengado: ahora te he conocido, a ti". Ella camina con un torpe andar. Fija su mirada hacia la luna que la sigue. Su mirada sombria se ahoga en la luz. La voz de un hombre dice: "El nino que has concebido viene de tu espiritu, no es una carga. Oh mira, que nitido resplandece el universo! Hay gloria alrededor de Todos, tu conmigo a la deriva en un mar frio, pero un calor peculiar se desprende de ti y de mi, de mi y de ti. Transformara a la extrana criatura que concebiras para mi, de mi; tu has traido la gloria hasta mi, tu me has convertido en un nino. El la abraza alrededor de sus fuertes caderas. Su aliento se besa en el aire. Dos personas caminan por la alta, clara noche. Las secciones de la musica corresponden claramente a aquellas del poema, y cualquiera puede prudentemente seguir a ambos, encontrando facilmente retratos musicales de las palabras y de las acciones. Para la mayoria de los oyentes, sin embargo, esto no sera necesario para disfrutar la composicion, ya que es una obra igualmente fuerte y convincente, conectada libremente a un poema basado en el estado de animo, o como una composicion musical totalmente abstracta. Hace algunos anos un periodista me pregunto si escogeria ser un musico en mi "proxima vida". No me llevo mucho tiempo darle una sincera respuesta afirmativa, pero el pensar en ello me hizo darme cuenta como envidio terriblemente a los dioses reales, los compositores. Hubiera dado lo que fuese por saber que se siente al experimentar la musica cuando nace oirla dentro de la cabeza desde el principio. Creo que la entrevista fue hecha en el momento en el que yo estaba ensayando o interpretando Verklaerte Nacht de Schoenberg, como siempre que retomo esa composicion, algo provoca que este pensamiento vuelva a mi mente.
Ensayar e interpretar el Divertimento de Bartok, o hasta solo ojear la partitura, siempre provoca un sentido del suspenso muy distinto, una agitacion intrinsica, hasta la luz, los alegres episodios del primer movimiento, o el impetuoso final. (Me pregunto si tendria el mismo sentimiento si hubiera sabido como iba a ser el segundo movimiento - una de las preguntas a la cual nunca sabre la respuesta). Esta obra fue compuesta en 1939, y aunque causa un fuerte impacto solo como "pura" musica, sbiendo el momento en que se compuso y la atmosfera que prevalecia en una Europa pre-guerra, inmediatamente se convierte en un diario de su tiempo, y el estado emocional resultante lo graba en la percepcion de esta composicion. Personalmente, el segundo movimiento representa para mi una de las mejores paginas de la literatura musical. El tiempo en los dos movimientos se mueve y se queda quieto, el dolor de un sufrimiento interior esta muy cerca de sentirse fisicamente, y el retrato del poder inhumano es absolutamente extraordinario - todavia mas resaltante por conseguirse con significados tan limitados. Me pierdo encontrando una explicacion para el titulo que Bartok le ha dado a su obra, y no me han convencido las teorias que hay sobre ello. Por mucho que la musica hable sobre el en esta obra de arte, descifrar el secreto sera, quizas, traera mas recompensas.
Hace anos lei un simpatico relato de alguien que visito un auditorio, la cual, en esencia, decia algo como esto: "En el programa estaba la Sinfonia N? XX de Bruckner?s. Los musicos se reunieron en el escenario y la luz fue regulada, pero era demasiado fuerte todavia como para poder ojear el folleto del programa, lo cual hice. Luego, un poco despues, la majestuosa melodia empezo a sonar, llenando el lugar y captando la atencion de todos. Era el tema principal del primer movimiento, y era magnifica. En aquel momento los pobres violines tuvieron que tocar un tremolo sin pausa durante por lo menos 15 minutos". Las sinfonias de Bruckner eran llamadas "Catedrales del sonido" con mucha razon, y para sostener la estructura, alguien necesitaba ciertos cimientos de poder. Uno de los mayores retos de los interpretes de esta musica es sostener esta estructura como un todo, sin perder el sentido de su dimension. En un lenguaje coloquial, la composicion no deberia hacerse demasiado larga para el publico. El reto de escribir e interpretar miniaturas es directamente opuesto a la naturaleza, como el tiempo limitado no deberia ser insuficiente para definir las caracteristicas emocionales de la obra. Prokofiev triunfo escribiendo Visions Fugitives como un ciclo de piano de 20 miniaturas. La duracion media de cada miniatura es de un minuto, y algunas duran tan poco como 20 segundos. Barschai transcribio 15 de ellas para una orquesta de cuerdas. Son muy divertidas a la hora de interpretarlas, y se espera que tambien a la hora de escucharlas.
La sinfonia de camara de Shostakovich, Op. 110 bis, se lleva los honores de ser una de las obras mas frecuentemente interpretadas en su version original, como Cuarteto de Cuerdas N? 8, y en los arreglos de Barshai para orquesta de cuerdas, aprobados por Shostakovich. Escrita en Dresden en Octubre de 1960, y en solo tres dias, este cuarteto revela una dedicatoria: "En memoria de las victimas del fascismo y la guerra". Mientras el caracter de la composicion refleja en si mismo esta dedicatoria, aun sin saber lo que Shostakovich ha dicho en privado (su hija, Galina, recuerda que despues de terminar el cuarteto, Shostakovich dijo: " Me dedico esta obra a mi mismo", la misma frase se encontro en una carta publicada recientemente a su amigo Isaak Glikman), esta muy claro que desde la propia musica, esta obra es autobiografica. El material tematico de los cinco movimientos esta basado en su monograma - firma musical DSCH (re,mi bemoll, do y si, en notacion alemana), y hay numerosas cita de sus sinfonias y demas obras. Esta composicion es un testimonio de la incrible habilidad de Shostakovich en solo unos pocos compases para crear un mundo emocional completo. El movimiento inicial esta lleno de una anticipacion a la tragedia, pero aun con momentos de alivio y esperanza. Luego viene una fuerza brutal agonia y fuerza en el segundo movimiento, y el tercer movimiento, parecido a un vals, esta lleno de la tipica dulzura amarga de Shostakovich. El cuarto movimiento es introducido por una frase repetitiva de tres acordes, en el cual se pueden oir algunos sonidos como disparos y otros, incluyendo a mi mismo, la KGB toca a una puerta, seguido de una cita de la revolucionaria cancion "Atormentado por la dura esclavitud" y la culminacion emocional - una aria de su opera Katerina Izmailova. El quinto movimiento vuelve al contenido del movimiento inicial, pero esta vez sin esperanza, solo la total aceptacion de un destino tragico. Por muchos anos siempre he siguido esta obra en concierto con una interpretacion del Primer Contrapunto del Arte de la Fuga de Bach. Hace anos, cuando empeze a interpretar esta obra, me impacto la inestabilidad que se percibia al oir los aplausos despues de esta composicion. Hice experimentos pidiendo al publico que se abstuviese de aplaudir, lo que provoco un resultado no menos inestable, especialmente cuando esta composicion era interpretada justo antes del intermedio, lo cual era casi siempre el caso. La unica solucion fue volver a la musica inmediatamente despues de esta obra. En el momento en que pense en el Primer Contrapunto de Bach, me senti bien. Empezando en la misma atmosfera emocional como la de la Sinfonia de Camara (en las raras ocasiones en que tocamos este Contrapunto solo, lo tocamos de forma totalmente diferente), luego se toma un camino drasticamente diferente, volviendose un majestuoso himno al espiritu humano. Me gustaria resaltar, que interpretando a Bach inmediatamente despues de Shostakovich, no estoy sugiriendo haya que agregar nada a lo que Shostakovich ha dicho en esta composicion. Al contrario, la obra es una de las mas poderosas y completas declaraciones nunca expresadas en musica. De hecho, para mi, para mis colegas, y ojala que para ustedes, los oyentes, otra declaracion poderosa se necesita para restaurar el balance interior.
Mieczyslaw Vainberg nacio en Polonia en 1919. Se graduo como pianista en el Conservatorio de Warsaw en 1939, el ano en que comenzo la II Guerra Mundial, y fue capaz de escapar de Polonia a la Union Sovietica en el mismo ano. Continuo su educacion musical, esta vez como compositor, en el conservatorio de Minsk. En 1943 Vainberg envio a Shostakovich la partitura de su Primera Sinfonia, y el impresionado Shostakovich colaboro con los tramitas para conseguir un permiso oficial permitiendo que Vainberg se traslade a Moscu, donde residio hasta su muerte en Febrero de 1996. Vainberg fue el compositor mas prolifero, trabajando en una amplia gama de generos, que se evidencia en sus obras para orquestas sinfonicas (incluyendo 22 sinfonias, poemas sinfonicos, oberturas, etc.), operas, ballets, oratorios, conciertos instrumentales, musica de camara, composiciones para instrumentos de cuerda sin acompanamiento, lieder, obras para piano solo, musicales, musica incidental para teatro y shows de radio y musica para docenas de peliculas, incluyendo algunas de los titulos mas queridos del cine ruso. Sos obras fueron estrenadas por los musicos rusos mas inminentes, como Rostropovich, Kondrashin, Oistrakh, Gilels, Kogan, y el Cuarteto Borodin. Vainberg ha tenido una estrecha relacion con Shostakovich, llena de admiracion mutua. La primera interpretacion de la Decima Sinfonia de Shostakovich fue hecha en version para piano a cuatro manos, cuando el autor compartia escenario con Vainberg (esta interpretacion esta ahora disponible en CD). El carino que Shostakovich sintio por Vainberg se manifesto en 1953. Vainberg se caso con la hija de Solomon Mikhoels, un gran director judio de teatro y co-presidente del Congreso Judio Sovietico Americano durante la Segunda Guerra Mundial. (Despues de la guerra Mikhoels fue asesinado por orden de Stalin). A principios de 1953, al comienzo de la monstruosa campana anti-judios de Stalin, Vainberg fue detenido por la KGB, y Shostakovich, demostrando un comportamiento extremadamente peligroso raro en el, solicito a Stalin y al Comite Central la liberacion de Vainberg. Despues de la muerte de Stalin en Marzo de 1953 y el arresto de Beria, la campana anti-judia fue restringida y Vainberg liberado.
Hasta mediados de los ochenta, cuando se alzo la opresion ideologica en Rusia, las obras de Schnittke tuvieron un camino dificil para llegar a los grandes escenarios del pais. Al mismo tiempo, su musica era escuchada por millones ya que Schnittke era uno de los compositores mas cotizados para peliculas y television. En 1980 estaba trabajando en una pelicula con un joven y brillante director ruso, Larisa Shepitko. Luego llego la tragedia - Larisa murio en un accidente de trafico. El segundo cuarteto para cuerdas fue escrito poco despues y dedicado a su memoria. El conocimiento de estas circumstancias deduce su obra de forma convincente, haciendola una pieza dentro de un programa musical. Los cuatro movimientos de esta composicion desvelan una cadena de eventos similar a los pasos emocionales, que usualmente acompanan la partida de un ser amado. El primer movimiento es inestable y cuestionable, de alguna manera irreal, quizas hasta con la esperanza reticente de "tener un mal sueno". El angustiado segundo movimiento dura siete minutos, pero parece eterno. Una resaltada transformacion ocurre: el comienzo del movimiento conduce a todos a sentir horror y una desorientacion total, pero cuando el mismo contenido vuelve al final del movimiento, raramente, parece ordenado y casi victorioso, como el alivio de alcanzar un destino final en un viaje muy largo. El tercer movimiento hace esta composicion quizas la mas "Rusa" de las obras instrumentales de Schnittke, ya que invoca la imagen distintiva de un servicio liturgico ruso, substituyendo coros de una Iglesia Ortodoxa Rusa por cuerdas. Para ese entonces, la tragedia es una realidad, y su insondable pena es expresada apasionadamente. El cuarto movimiento final completa el ciclo transmitiendo un sentido de aceptacion e incluso de serenidad. En 1994, un Festival de Schnittke, conmemorando su 60 cumpleanos, fue realizado en Moscu, y la Orquesta de Camara Kremlin fue invitada a presentar el concierto. Queriendo incluir una obra nueva en el programa, pedi permiso al compositor para hacer los arreglos de su Segundo Cuarteto de cuerdas para orquesta de cuerdas. La sincera y entusiasta aprobacion de esta idea fue la realmente la experiencia mas gratificante.
La profesion de musico interprete tiene muchas recompensas. Una de las mayores es la oportunidad de trabajar con compositores, que asistan a los ensayos, que ofrezcan sus comentarios y sugerencias. La colaboracion con Shchedrin comenzo con un golpe - un concierto con sus obras en el la Gran Sala del Conservatorio de Moscu. Desde la primera vez que tocamos para el estaba ya muy claro que estabamos en la misma linea para interpretar su musica, forjando inmediatamente una relacion maravillosa, tanto profesional como personal. La musica de Shchedrin es conocida en Rusia y tambien a nivel internacional, y hay muchos interpretes, incluyendo algunos de los mas conocidos, para quienes la oportunidad de presentar sus composiciones es siempre bienvenida. Esto no sorprende, ya que es dificil encontrar un mejor vehiculo para cautivar al publico. Esta no es solo musica con una melodia maravillosa, un desarrollo maestro y una orquestacion muy colorida. Hay tambien un mensaje, un tema, una historia - es dificil encontrar una sola palabra que la describa. Creo que el mejor modo de describir mi propio punto de vista es decir que la musica de Shchedrin siempre dice algo. Y lo que le diferencia de muchos otros es que este algo esta muy definido, una imagen casi tangible. "Fotografias Rusas" es un ciclo de cuatro movimientos, - o, alguien podria decir, cuatro historias. El tiempo paralizado en "El Antiguo pueblo de Aleksin" - tocando o escuchando este movimiento es como pasar lentamente las paginas de un album de viejas litorafias. "Cucarachas por Moscu" es un retrato de una ciudad moderna, pero mas que un vistazo de ello, examina el nivel sobre la superficie de la ciudad, con vida propia. Coctel Stalin es un movimiento, que fuerza a ambos, a interpretes y al publico a tomar una postura - lo que suena gracioso para algunos, puede aterrorizar a otros. Luego llega la total unificacion de "Campanas del Atardecer". "Fotografias Rusas" ubica demandas tecnicas y emocionales considerables en los interpretes, pero que premio mas glorioso!
Los aficionados a la musica pueden notar que no usamos los arreglos de Mahler de "La Muerte y la Doncella" para orquestas de cuerdas, sino mis propios arreglos. La razon es simple - el "divisi" (subdivision en dos o mas partes dentro de un grupo de instrumentos) de la version de Mahler claramente sugiere grandes formaciones instrumentales, como las que el tenia a su disposicion. Aparte de esto, la version de Mahler difiere muy poco de la versio original, y la mi version menos todavia. Entonces porque mencionar a Mahler se podrian preguntar algunos? Bueno, porque si. Mientras el hecho de interpretar arreglos y, en este caso, cogiendo uno de los verdaderos santuarios de la literatura de los cuartetos y extendiendolo a una orquesta de cuerdas completa, esta siendo aceptado en los escenarios, aun tiene sus detractores, y teniendo protagonistas como Mahler y Bernstein (con la Op. 131 de Beethoven) ciertamente refuerza la postura del clan de los "pro-arreglistas". Tan increible como nos parece ahora, este cuarteto, escrito en 1826, dos anos antes de la muerte de Schubert, fue rechazado por editores musicales por ser poco interesante. La primera interpretacion tuvo lugar en Berlin en 1833, cinco anos despues de la muerte del compositor; el critico no fue muy bondadoso con Schubert, criticando su obra como "progresiones harmonicas irregulares". El tiempo le hizo justicia a la obra, no obstante, y ahora "La Muerte y la Doncella" es una de las mas queridas obras del repertorio. Incidentalmente, la pieza fue apodada despues de la muerte de Schubert, basado en el titulo de una de las canciones de Schubert que el re-arreglo" (aja!) para el tema del segundo movimiento. Y para Mahler, aunque termino los arreglos de la obra completa (y hasta empezo arreglos para algunos de los demas cuartetos de Schubert), el dirigio solo un movimiento - las variaciones - en un solo concierto en Hamburgo el 19 Noviembre de 1894. Desalentado por las criticas que el empobrecio el cuarteto de Schubert de su intimidad, no persiguio la interpretacion de la obra completa. Esto no lo freno, sin embargo, de revivir esta practica cuatro anos despues, cuando se traslado de Hamburgo a Viena. Alli completo los arreglos del Cuarteto en fa menor, Op. 95, de Beethoven, y la interpreto en su totalidad.
Hace muchos anos escuche un punto de vista interesante sobre el lugar de Mendelssohn en la jerarquia de la historia de los grandes compositores, y mientras esta teoria es de alguna manera extrana, quizas tenta algo de razon. Algunos musicos amigos y yo estabamos leyendo algunas de las obras de camara de Mendelssohn, no las mas populares, como el Octeto, pero aquellas que raramente se escuchan en un concierto. Estabamos asombrados por la belleza de la musica y de la exquisita habilidad para escribir, y la conversacion se convirtio en una discusion sobre la herencia musical de Mendelssohn en general. Fue facil coincidir en que Mendelssohn es comunmente reconocido como un "peso ligero" cuando se le compara con Brahms o Schumann. Es verdad, los atributos mas notorios de su estilo musical son la gracia, la elegancia, y para la mayoria, el humor y los temas que trata son la felicidad y el contenido, mas que la lucha feroz de Beethoven, la apasionada busqueda del alma de Schumann o el monumentalismo global de Brahms. Pero en su territorio, Mendelssohn tiene pocos rivales. Entonces, discutiendo este "problema de imagen" en la sesion arriba mencionada, uno de mis colegas ofrecio este comentario - "No podemos solo perdonar a Mendelssohn por no sufrir demasiado, como la mayoria de los demas grandes compositores tuvieron que hacerlo". Efectivamente, cuando ojeamos las biografias de los grandes creadores - no solo compositores, sino tambien escritores, artistas - es obvio que mas alla de su vida rica y llena de acontecimientos, esperariamos que tuviesen una mayor dosis de confusion y agitacion que el resto de las personas. Interesante, 'no' En el caso de Mendelssohn, nacio con una cuchara de plata en la boca. Su familia no solo era una de las mas prosperas y cultas de Alemania, sino una de las mas disciplinadas (0500h para el despierto diario, 0600h los domingos) y los mejores tutores en todos los aspectos, incluida la musica, donde los precozes talentos de Mendelssohn fueron rapidamente descubiertos y solidamente apoyados. La mansion de Mendelssohn se convirtio en el lugar para conciertos dos veces al mes, y en 1822 una casa de verano fue acondicionada como una sala de conciertos donde varios centenares de personas fueron invitadas cada domingo a un concierto presentando las obras del repertorio estandar y las nuevas composiciones de Mendelssohn. Para estos conciertos, un Mendelssohn de 13 anos seleccionaba los programas, dirigia los ensayos, aparecia como pianista y hasta dirigia algunos programas, subido a una banqueta para que los musicos pudieran verle. Y, por supuesto, componia - en 1825, cuando a los 16 anos, creo un verdadero santuario de la literatura de la musica de camara, el Octeto, fue el autor de unas 80 obras, incluyendo trece sinfonias para cuerdas, operas y operetas, conciertos, motetes y mucha musica de camara. Entonces, es la historia justa con Mendelssohn? Escuchenle y juzguen por ustedes mismos.
Hay algunas buenas y "correctas" respuestas que son rutinariamente dadas a la pregunta de porque se hacen transcripciones - para ampliar el repertorio, para introducir obras a publicos mas grandes (o, a la inversa, para dar lugar a la posibilidad de interpretar la obra de forma mas intima), para sacar a relucir colores adicionales que el arreglista cree estan "ocultos" en la composicion. Tan ciertas como pueden ser esas respuestas, cuando un musico interprete hace una transcripcion, la razon dominante, creo, es el deseo de interpretar una obra que fue escrita para un instrumento diferente o para un grupo de instrumentos. Esto es totalmente cierto para mi en la mayoria de los casos, sino en todas las transcripciones que he hecho. Las obras resultantes difieren en el grado en que se desvian del original, y en el caso del Sexteto de Brahms, esta desviacion es una de las mas pequenas, si se compara con otras obras "robadas o prestadas" que hay en nuestro repertorio. Aquellos interesados en la evolucion del gusto musical publico deberian considerar a Brahms un caso interesante para explorar. Durante toda su vida, el reconocimiento de su talento no fue muy universal. Los detractors vieron a un retrogado en el, para quien su devocion por el clacisismo puro fue un paso atras para la exploracion de nuevos horizontes musicales, navegado por demoniaco Wagner. Fue muchas veces acusado de flojedad, y hasta el ilustre George Bernard Shaw escribio articulos insoportablemente denunciantes sobre su musica. Su club "anti-fan" incluia a Hugo Wolf, Gustav Mahler, Piotr Tchaikovsky. Hay muchas leyendas de la inauguracion de la Sala Sinfonica de Boston en 1900, cuando el letrero "Salida En Caso de Emergencia" fue substituido temporalmente por el letrero "Salida En Caso de Brahms". Hoy en dia, sin embargo, Brahms es uno de los mas famosos nombres, y el catalogo de sus obras es notablemente representado al completo en conciertos y grabaciones. Y desde luego, muy merecidamente.
La musica de Tchaikovsky crea una ilusion que llega a este mundo absolutamente sin esfuerzos (como la musica de Mozart, el compositor favorito de Tchaikovsky). Es asi en muchos momentos, pero desde luego no siempre, y la supremacia de los resultados de sus numerosas revisiones, desde correciones hasta escribirlo de nuevo, convincentemente ilustra a Tchaikovsky diciendo que "la musa no viene si no se le llama". La Serenata para Orquesta de Cuerdas (el titulo ruso correcto, aunque en occidente es usualmente llamada Serenata para Cuerdas), escrita en relativamente poco tiempo, entre Septiembre y Octubre de 1880 (simultaneamente con la Overture de 1812), fue definitivamente una de aquellos ejemplos felices: "… salio del corazon" escribio Tchaikovsky. Otro momento de suerte fue el inmediato y unanimo exito de su obra. La serenata rapidamente alcanzo el nivel mas alto de las obras de Tchaikovsky que estaban programadas para los conciertos dirigidos por el mismo, y bajo su batuta fue escuchada en muchos centros musicales europeos asi como en su visita a los Estados Unidos en 1891, donde la dirigio en Baltimore y en Filadelfia. Parece que el compositor mismo estaba casi avergonzado por el afecto que sentia hacia su obra: (de su carta a Nadezhda von Meck, su companero y patrocinador): "El primer movimiento es mi homenaje a Mozart, intenta ser una imitacion de su estilo, y yo estaria encantado si pensara que me he acercado a mi modelo. No te rias, querida, en mi entusiasmo por realzar mi ultima creacion. Quizas mis sentimientos paternos son tan calidos porque es hijo mas joven de mi imaginacion". Mientras la composicion completa se escucha en un suspiro, por decirlo de alguna manera, los dos movimientos internos son extraordinarios. El vals es exquisito, y la elegia es una de las mas movidas declaraciones de corazon en musica. Otra vez, de la carta de Tchaikovsky a Nadezhda von Meck: " A menudo se dice que los buenos actores no interpretan para todo un publico. Ellos escogen una persona en el teatro que parece ser un alma compasiva e interpretan la pieza entera con el anhelo de complacer a esa persona". No hay muchas partituras que puedan rivalizar con esta Elegia. Dos cosas que aprendi recientemente sobre la Serenata, no siendo nada significativas, son entretenidas, y las compartire con ustedes. En su carta a Jurgenson, su editor, Tchaikovsky revelo al principio concebia su obra como una sinfonia, luego penso que sus bocetos podrian ser los apropiados para un cuarteto de cuerda, y finalmente decidio ("inspirado", como escribio) que seria una Serenata para una orquesta de cuerdas. Y de nuevo, de la carta de Tchaikovsky a Nadezhada von Meck, escrita despues que acabo la serenata, pero sin todavia haberla estrenado oficialmente: "Desearia que pudieses escuchar mi Serenata interpretada adecuadamente. Pierde mucho cuando se toca en piano, y pienso que los movimientos del medio tocados por los violines ganarian tu corazon". Al piano? Si, una practica muy comun antes de la invencion del fonografo, y hasta un poco despues. En el verano de 1881 von Meck contrato a un estudiante de 18 anos del Conservatorio de Paris para tocar con ella piezas de piano a cuatro manos asi como para dar clases de piano a sus hijos. Él tambien hizo transcripciones segun su peticion, los fragmentos de Swan Lake se convirtieron en sus primeras partituras publicadas. El nombre del joven? Claude Debussy.
Asi como darle buenas noticias a alguien tiene un efecto positivo contagioso al mensajero, interpretar la serenata de Dvorak tiene realmente un efecto terapeutico para los interpretes. Hay mucha "bondad" en ella. De alguna manera hasta los momentos que podrian proyectar una sombra pesimista - la luz melancolica del Vals, o la fragilidad del Larghetto inaugural - retiene la maravillosa atmosfera despejada. Usualmente, las composiciones de grandes dimensiones contienen drama, tension, conflicto - las herramientas que ayudan al interprete a "tomar la posicion", interpretando obras de su propio y unico punto de vista. Si comparamos una docena de grandes interpretaciones de la Sexta Sinfonia de Tchaikovsky con otra docena de igualmente grandes interpretaciones de Cascanueces, las diferencias en la interpretacion seran mucho mas grandes en la primera. ("Las familias felices se parecen; cada familia infeliz es infeliz a su propia manera". Lev Tolstoy, la oracion introductoria de Anna Karenina"). El punto mas resaltante de la serenata de Dvorak - esta "pura bondad" es totalmente suficiente para sostener una comunicacion significativa durante casi media hora de musica. Mientras las circumstancias alrededor de la creacion de la obra y el contenido emocional de la composicion resultante no siempre van de la mano, en este caso particular si. En el verano de 1874, el recien casado Dvorak estaba esperando su primer hijo. Dvorak trabajaba como organista en una de las iglesias de Praga - un puesto que no le ocasionaba ningun problema para obtener los papeles del gobierno que acreditaban su pobreza. Con estos papeles, y un buen monton de partituras recientes (que incluian dos sinfonias, una overtura, canciones y alguna musica de camara), solicito una beca del gobierno. Un distinguido jurado, que incluia a Johannes Brahms, no se equivoco al reconocer los "dotes genuinos y originales", y bajo su propia recomendacion, el Ministro de Cultura le presento a Dvorak el salario mas alto disponible en ese programa. No hay duda de que el anuncio de esta beca estimulo una explosion de creatividad. Y fue durante esta oleada de felicidad, cuando la Serenata para Cuerdas fue acabada en solo 11 dias.
El nombre de Josef Suk es pronunciado con facilidad para ser su musica muy poco conocida fuera de la Republica Checa. Esto ocurre gracias a su nieto, Josef Suk, un destacado violinista checo quien ahora disfruta de una carrera muy activa como solista y musico de camara. Para complicar las cosas un poco, debemos mencionar que el primer Josef Suk no podemos llamar Josef Suk Sr., porque el a su vez era el hijo de otro Josef Suk, tambien musico y su primer profesor importante. El mas joven que conozco de la dinastia de Josef Suk, el arriba mencionado violinista, es el biznieto de Antonin Dvorak. Entonces, si aun estan leyendo estas lineas, ya se han dado cuenta de que Josef Suk, el compositor de la Serenata para Cuerdas, estaba casado con la hija de Dvorak. Desde este punto, este es el unico Josef Suk del que hablaremos, y el hecho de que fuese un brillante violinista y fundador del Cuarteto Czech (anteriormente Wihan), con el cual y durante 41 anos (1892-1933) ofrecio mas de 4.000 interpretaciones, no deberiamos confundirlo con su nieto violinista, a quien no me atrevo a llamar Josef Suk Jr., ya que si tuviera un hijo o un nieto propio tambien, estoy muy seguro de que la tradicion del clan no se rompera. La serenata fue escrita bajo la recomendacion de Dvorak, quien sintio que un compositor de 18 anos, en ese momento era estudiante del Conservatorio, deberia ampliar el contenido emocional de sus composiciones, las cuales eran muy tragicas y oscuras en aquel momento, y escribir algo mas alegre y entusiasta. El resultado fue esplendido. Mientras la influencia de Dvorak es bastante aparente, es una musica mucho mas original. Aunque el espiritu general de la Serenata es alegre, Suk era incapaz de mantenerse solo en estados de humor alegres, y en este sentido, la Serenata se diferencia drasticamente de la de Dvorak. Pensaba cerrar esta nota mencionando la gran promesa, hecha por un joven compositor, y que no parece materializarse. Por curiosidad abri el catalogo de sus obras y encontre muchas composiciones para orquesta, musica de camara y piano, las cuales nunca escuche. Entonces, retengo mis comentarios porque este descubrimiento me dio la idea para un final alternativo: En los anos sovieticos, durante los ataques a Solzhenitsyn, habia reuniones en las que los "voluntarios" de varios grupos sociales eran obligados a expresar su disgusto, por "las sucias mentiras sobre nuestra maravillosa vida y nuestro devoto gobierno", en libros escritos por el. Una vez hubo alguien que se las ingenio para formular la siguiente pregunta a un entusiasta orador: "Ha leido alguno de los libros de Solzhenitsyn?" La respuesta fue: "No, no tengo interes en esas mentiras repulsivas". Esta es una historia veridica, y la respuesta del orador fue mas meditada de lo que parece, porque en aquel tiempo leer uno de los libros de Solzhenitsyn era un crimen severamente castigado por la Ley. Ahora, despues de esta historia tan chocante saber quien es quien del clan de los Suk es muy facil, perdonen el juego de palabras!
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El tiempo, el tiempo de nuevo nos encuentra encarando el hecho de que las obras creadas como producto del dolor y de la confusion estan muy lejos de superar el numero de aquellas que llegaron a este mundo bajo circumstancias felices. Y, a pesar de las exepciones (y entre ellas hay algunas composiciones gloriosas), mas que la cantidad, la cualidad de la musica y la fuerza del mensaje es tambien superior. Strauss escribio Metamorfosis en 1945, al ver las casas de opera destruidas en Munich y en Dresden. No intentare escribir sobre la musica en si misma, la comun cita del compatriota de Strauss, Henrich Heine "cuando las palabras terminan, comienzan la musica" suena muy verdadera. Por lo tanto, un par de puntos relacionados. Muchos, sino todos los musicos varian la interpretacion de las obras de concierto a concierto. A traves de los anos, la diferencia en la percepcion de alguien sobre esas partituras puede cambiar dramaticamente, pero hasta repitiendo la misma composicion al dia siguiente de hacer una interpretacion usualmente presenta algunos cambios. (Durante muchos anos no crei que alguien puede tocar identicamente y no sonar duro o poco sincero. Luego, hice una interpretacion con un solista, quien en todos los ensayos y luego en los conciertos durante cuatro noches seguidas toco exactamente igual - y gloriosamente bella, cautivando a todos en el escenario y en la sala durante cada interpretacion). Para mi mismo, algunas obras podrian desviarse solo un poco, algunas algo mas, pero todavia, la linea general para una noche dada es siempre clara antes de dar el primer ritmo. Cuando, hace muchos anos, comienzo a dirigir Metamorfosis, me sorprendo al ver que tan lejos podria desviarme del "plan" tanto durante el ensayo como despues en los conciertos. Esto no es inusual en los niveles iniciales cuando se agrega una nueva obra al repertorio, pero como norma una vez que la obra se "asienta", existe un buen grado de predictabilidad de como "sera el tono esta noche". Seguramente, aun asi muchos factores afectaran la interpretacion - la acustica de una sala nueva para nosotros es uno de ellos (la presencia del publico a veces tambien cambia la interpretacion notoriamente de cuando estamos ensayando en una sala vacia), el modo en que "conectamos" con el publico, son algunos de estos factores. Bueno, son muchos anos y muchas interpretaciones detras de mi, y estoy contento al aceptar que las "metamorfosis" ocurriran durante una interpretacion, y cuento con mis plegarias por tener esta maravillosa y flexible orquesta en frente de mi. Y otro punto. Strauss originalmente escribio Metamorfosis solo para 23 cuerdas. "Ó no lo hizo? Hace algunos anos se descubrio una partitura de Metamorfosis para un septeto de cuerdas, y se cree que fue terminada poco antes de la version que conocemos. In nuestro caso, interpretamos esta obra segun una transcripcion para Kremlin, la cual es un poco mas corta que la de Strauss, pero de todas formas se toca cada nota de la version original. La transcripcion de Vladislav Bezroukov, director de la orquesta, nos permite interpretar esta pieza tanto en Moscu como de gira. |
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